Revenir sur l’année finissante, c’est une chose qui se fait, paraît-il. Si on ajoute à ça que ce blog fête quasiment sa première année d’existence, le moment est donc parfaitement choisi pour un premier bilan…

Ce blog, en 2009, c’est un peu plus de 21 000 pages vues, 70 articles, et 231 commentaires.

Top 3 des articles les plus consultés

1. Indochine : La République des Meteors
2. En ce moment : exposition “Our Body : à corps ouvert” à l’Espace Madeleine, Paris
3. Un quart d’heure après Le Grand Monde d’Andy Warhol…

Top 3 des articles les mieux “notés”

1. Artmeeting #003 – Nick Grey : “Renouer avec la notion de plaisir pur en musique”
2. “Mon nom est Ensor. James (art) Ensor” : James Ensor au Musée d’Orsay, Paris
3. Clip vidéo “Wrong” de Depeche Mode : l’envers de l’envers n’est pas l’endroit…

Top 3 des articles les plus commentés

1. Les autocollants de la RATP, ou comment prendre les usagers pour des cons en une leçon
2. Un quart d’heure avant Andy Warhol
3. Débat Internet et création : quelqu’un peut-il allumer la lumière, SVP ?

Top 3 des articles qui gagneraient à être plus lus (catégorie 100% subjective)

1. Pleure pas, Martine…
2. Ere du faux, art du faux
3. Apocalypse, cannibalisme et truites : The Road, Cormac McCarthy

Bonnes fêtes à tous, et à bientôt pour de nouveaux billets, chroniques, entretiens…

La loi, ou règle, du mort-kilomètre ? Elle existe, d’une certaine façon. Je l’ai rencontrée. Hier, on apprenait dans la soirée qu’un forcené avait agressé six personnes à Clichy (dont une est décédée suite à ses blessures), et que Johnny Hallyday avait été plongé dans un coma profond, à la clinique de Cedars-Sinaï de Los Angeles.

L’agression à Clichy s’est passée à quelques centaines de mètres de chez moi, sur le parcours que j’emprunte au moins deux fois par jour pour me rendre à mon travail et en revenir. Hier, j’arrivais à la hauteur du carrefour en question vers vingt heures et quelques, quand j’ai vu un attroupement et une camionnette TF1. Premier réflexe : “c’est quoi encore ce truc, les gens ont pas mieux à faire… ?”. Second réflexe : “Un reporter TF1, en direct, à 20h ? Houlà, ça dit rien de bon…”. Et là, j’apprends, de la bouche du reporter posté là, au coin de ma rue, ce qui s’est passé vers 17h…

…alors que dans le même temps, aux USA, à 10 000 km de là, les médecins plongeaient Johnny dans un coma artificiel. Et je peux vous dire que sur Twitter et autres, ça y allait les infos sur Johnny (qui d’ailleurs, aux dernières nouvelles, serait plus ou moins tiré d’affaire). Personnellement, Johnny, je m’en fous un peu. J’aime pas particulièrement sa musique, et certains traits de sa personnalité (en tout cas de ce qu’en disent les médias) m’agacent. D’un autre côté, étant d’un naturel curieux, son statut d’icône pop,  d’objet d’étude sociologique et de partie intégrante du patrimoine français m’intéresse. Comme il est difficile d’y échapper, j’ai fini par retenir malgré moi quelques bribes de mélodies, de paroles, et il m’arrive de brailler “l’envie d’avoir envie” ou “allumer le feu”, comme ça, pour m’amuser, mi-hommage, mi-dérision…

Bon, et la loi du mort-kilomètre alors ? Cette loi (pseudo-loi, plutôt), présentée comme une technique d’écriture journalistique, stipule que l’intérêt du public pour un (ou plusieurs) décès est fonction de l’éloignement géographique de l’événement. Ainsi, il faut 1 mort à un 1 kilomètre, 10 morts à 10 kilomètres, 10 000 morts à 10 000 kilomètres… pour susciter l’intérêt du public et donc décider un journaliste à couvrir l’événement. Là où Johnny fait exception, c’est que la nouvelle de son hospitalisation, à 10 000 km d’ici, intéresse davantage les Français que la frénésie meurtrière du forcené de Clichy… Comme l’écrivait La Fontaine, “Selon que vous serez puissant ou misérable”…

Bien sûr, comme la plupart des lois ou règles en la matière,  la loi du mort-kilomètre, c’est complètement faux. Mais il y a un fonds de vérité. La notion de proximité comme un des facteurs clés d’intérêt des lecteurs.  Vu comme ça, ça peut paraître mesquin et égoïste, à une époque où tout le monde nous rabâche qu’il faut “penser global”, s’ouvrir aux autres, qu’il faut “absolument être international” comme en d’autres temps on était “absolument moderne”… Et pourtant, croyez-moi, ça fait drôle d’être bassiné d’informations sur Johnny tout l’après-midi et toute la soirée, et de ne pas savoir qu’un drame six fois plus grave est arrivé “près de chez vous” (pour paraphraser un titre de film bien connu, avec l’excellent Benoît Poelvoorde).

En réalité, il suffit de vivre une telle expérience pour comprendre l’importance de l’information que certains adeptes des technologies et des médias “2.0″ baptisent “hyperlocale”. De quoi prédire un bel avenir à toutes les initiatives de médias de proximité. Les gratuits et leurs déclinaisons locales par villes. Les partenariats noués entre de grands organes de presse nationaux et des bloggers impliqués dans la vie locale. C’est ce que font des groupes médias comme The Guardian en Grande-Bretagne (relais bloggers à Cardiff, Liverpool…), The New-York Times avec San Francisco et la Bay Area, ou encore la chaîne de télévision NBC et ses multiples relais locaux aux USA. Là se joue peut-être l’avenir de la presse et des médias…

P.S. : ce blog part un peu en vrille. Promis, bientôt du contenu neuf sur l’art. De nouveaux épisodes de la série Artmeeting sont en cours de préparation. Et la grève des musées nationaux semblant arriver à son terme, je ne désespère pas de trouver enfin le temps d’aller voir l’expo Pierre Soulages à Beaubourg…

Pour ses 30 ans, McDonald’s France s’est payé un drôle d’objet avec un drôle de nom. “Et soudain, ils se parlèrent…”, 30 ans de vie française, aux éditions du Cherche-Midi, est un gros livre-objet à la présentation soignée, rempli de textes et d’illustrations. Un vrai beau-livre de table basse, imprimé à partir de “sources durables” comme il se doit. Il retrace trente ans de vie française, trente ans d’évolutions sociales, économiques, culturelles, donc, depuis l’ouverture du premier McDonald’s à Strasbourg en 1979.

Si c’est un objet publicitaire, pourquoi en parler ? Parce que le livre est vraiment très bien conçu, la présentation très soignée, très graphique, et que le fond n’est pas oublié. Il rassemble des entretiens ou contributions de près d’une quarantaine d’observateurs ou d’acteurs de la vie sociale de ces trente dernières années. Certaines signatures sont de très bon niveau, notamment parmi les sociologues : Michel Maffesoli, François Cusset, Théodore Zeldin… D’autres chapitres sont plus récréatifs. Certains font le point sur 30 ans de succès au box-office, depuis Le Gendarme et les extra-terrestres (1979) à Bienvenue chez les Ch’tis (2008), d’autres reviennent sur les objets, les jouets et le design culte de ces trois dernières décennies. Il y a même une nouvelle inédite de Douglas Kennedy, en français et en anglais, un remix de Patrick Coutin par Bob Sinclar, des dessins spécialement réalisés pour l’occasion par Gotlib, des analyses d’émissions télés, des unes de magazines et de quotidiens…

McDonald’s est bien sûr présent en filigrane dans ces entretiens, mais sans lourdeur. La marque occupe la place normale qu’elle se doit d’occuper dans tout panorama de la société française, et de sa culture pop, sans être mise en avant de façon exagérée.

J’aime aussi ce livre parce qu’au fond, il me rappelle, avec davantage de “substance”, ces encyclopédies en images pour les enfants et les jeunes ados que je lisais dans les années 1980. Ces ouvrages portaient des titres du style Le grand livre de l’année 1984. Ils contenaient énormément d’illustrations, et couvraient à peu près tous les sujets : les découvertes scientifiques, les courants musicaux, les exploits sportifs, etc. Je me souviens notamment d’une photo de The Cure, maquillés à outrance (à peu près celle reproduite ici) qui m’avait beaucoup impressionné…

Enfin, “Et soudain, ils se parlèrent…” se termine sur un chapitre fort intéressant, intitulé “Vivement demain”. Les auteurs ont mis à contribution une classe de CE1 (moyenne d’âge 8 ans), et leur ont demandé de dessiner le monde du futur. Tous les dessins des enfants sont reproduits, accompagnés d’un texte très bref que je trouve très curieux. Les auteurs y rappellent que, “Il y a trente ans, lorsqu’on demandait aux enfants de dessiner l’an 2000, navettes spatiales, voitures volantes et alimentation en capsule se disputaient la vedette”. Ils constatent que, 30 ans plus tard, cette vision a radicalement changé, les enfants dessinant dans certains cas

“…des paysages et des populations à l’aspect presque primitif. Alternant entre petites maisonnettes de bois et tipis, couples vêtus de pagnes et végétation géante, l’omniprésence de la nature contraste avec les représentations de la génération précédente dans lesquelles primait l’urbanité”.

C’est signe, selon les auteurs, d’optimisme. Pourtant, je ne sais que penser d’un futur où l’on imagine avant tout l’homme en retrait, ses villes singulièrement absentes ou presque, et lui-même revenu à cet “aspect presque primitif”, vivant dans des “tipis” et “vêtu de pagnes”… A ceci près bien sûr qu’il s’agit de représentations imaginées par des gamins, et que dans leur vision la nature est belle est généreuse (ce qui fait une grosse différence, certes), je ne peux pas m’empêcher de rapprocher cette vision de celle de Cormac McCarthy, l’auteur de The Road. Une humanité post-apocalyptique, vêtue de haillons, vivant dans des abris précaires, et devenue si bestiale dans son fonctionnement qu’au fond, on aimerait souhaiter la voir céder la place à la nature, qu’elle redevienne aussi belle et luxuriante que dans les dessins de la classe de CE1 de Condamines… N’imaginer de futur à l’homme que dans le retrait, et dans une nouvelle de forme de retour, voir de soumission, à l’animalité et à la nature, est-ce vraiment une preuve d’optimisme ?

Pour finir, (on me l’aurait dit, que je n’y aurais pas cru !), je trouve même que ce livre, tout McDo qu’il soit, est à recommander comme cadeau de fin d’année aux amoureux de beaux-livres et de culture socio-pop éclectique et digeste.

Nous changerons bientôt de décennie, l’an 2000 est clairement une chose du passé, on pourrait penser que les peurs et les phantasmes millénaristes sont derrière nous, et pourtant jamais l’Apocalypse ne s’est aussi bien portée. C’est particulièrement vrai à Hollywood. On pense à tous ces films sortis ces dernières années, parmi lesquels Le jour d’après, Prédictions, ou encore 2012…

Bientôt sur nos écrans, The Road (La route), adaptation du roman de Cormac McCarthy paru en 2006 dans sa version originale. Un roman qui a reçu de nombreux prix (dont le Pulitzer), une adaptation ciné qui ne peut qu’intriguer. Un acteur principal généralement convaincant (Viggo Mortensen, magistral chez Cronenberg : A History of Violence, Les promesses de l’ombre), une bande-son composée par les meilleurs musiciens australiens qui soient (Nick Cave et Warren Ellis, compagnon de route de Nick Cave au sein des Bad Seeds et violoniste du trio Dirty Three), un précédent ouvrage de Cormac McCarthy porté à l’écran par les frères Cohen avec brio (No Country for Old Men)… c’est presque trop d’ingrédients du succès réunis à l’avance.

Pour me faire une idée, je suis donc allé lire The Road dans le texte, quelques jours avant la sortie du film en salles (le 2 décembre en France). Il faut sacrément s’accrocher : aucune note d’espoir ou presque dans ce récit de la lutte pour la survie d’un père et de son fils, dans un monde post-apocalyptique d’une noirceur implacable. Si on ne sait rien de la catastrophe qui a plongé le monde dans l’état qui est le sien dans le livre (accident climatique ? feu nucléaire ?), rien ne nous est épargné en revanche des épreuves que traversent le père et son petit garçon. Le livre nous fait vivre, presque en temps réel, le calvaire quotidien de leur marche vers le sud, le long de la “route” (une ancienne autoroute dévastée par le cataclysme). L’auteur décrit avec beaucoup de minutie les moindres détails de la marche, des petits gestes du quotidien destinés à assurer la survie (chercher de la nourriture, réparer un réchaud à gaz, se fabriquer des vêtements…), mais aussi de l’horreur rencontrée en chemin (brigands cannibales, mises en scène macabres, troupeaux humains réduits en esclavage ou utilisés comme garde-manger, etc.).

Beaucoup de choses ont déjà été dites ou écrites sur la relation père-fils qui forme le thème central du roman, (et le us vs. them, good guys vs. bad guys) ou sur le questionnement éthique soulevé par leurs actions. On voit ainsi le garçon s’affirmer peu à peu dans le dialogue avec son père, jusqu’à marquer sa désapprobation vis-à-vis des méthodes parfois très (trop ?) égoïstes et sécuritaires que celui-ci emploie pour se protéger de ses semblables. Ils rejouent à leur façon l’opposition entre pragmatisme et idéalisme, entre survie nécessaire et élans de solidarité. D’autres commentateurs ont vu aussi dans cette sorte d’expérience de survie dans un milieu hostile à toute vie une mise en garde écologiste.

Avec ce roman, c’est en tout cas tout un pan de mythe de l’Amérique qui en prend un coup. On est bien loin du chant lyrique des grands espaces, de la conquête de l’Ouest, de la liberté du voyageur vantée entre autres par Jack Kerouac (oui, l’auteur de On The Road, Sur la route !) et les écrivains et poètes de la génération beatnik. Fait surprenant d’ailleurs, à la toute fin du roman, un des (jusque là hypothétiques) good guys recueille le petit garçon, trois jours après la mort de son père, et lui fait cette remarque :

“If you stay you need to keep out of the road. I dont know how you made it this far. But you should go with me. You’ll be all right.” (p.283)

Comme si, depuis le début, le père et l’enfant avaient toujours eu tort de se raccrocher à la route comme seul espoir de les guider vers le sud et son climat plus clément… On devine, à demi-mots, que le petit garçon va désormais cheminer, avec eux, à l’écart de tout, dans les forêts, les montagnes, les endroits les plus sauvages et les plus inaccessibles. Le livre se termine d’ailleurs, au tout dernier paragraphe, par une drôle d’ode à la truite de ruisseau, symbole de forces chthoniennes, ancestrales, d’un monde qui a été et ne sera plus, qui ne pourra être réparé. Les motifs figurant sur leurs écailles sont “des cartes, des labyrinthes”, et “dans les profondes gorges où elles vivaient toutes choses étaient plus anciennes que l’homme et bourdonnaient de mystère”…

“Once there were brook trout in the streams in the mountains. You could see them standing in the amber current where the white edges of their fins wimpled softly in the flow. They smelled of moss in your hand. Polished and muscular and torsional. On their backs were vermiculate patterns that were maps of the world in its becoming. Maps and mazes. Of a thing which could not be put back. Not be made right again. In the deep glens where they lived all things were older than man and they hummed of mystery.” (p.286-287)

Ici, le mythe de la route s’effondre, au profit d’une conclusion austère, quasi mystique, et qui pourrait même pencher du côté de “l’écologie profonde” (deep ecology). Un courant qui place l’homme et son environnement sur un pied d’égalité, et a même donné naissance à des mouvements hostiles à l’humanité, allant jusqu’à préconiser un sabordage de la race humaine comme seul moyen de sauver la Terre et les autres espèces…

Je suis un artiste belge, né à Ostende en 1860 et mort en 1949, à la fois vaguement familier et encore relativement méconnu du grand public. Partagé entre inspiration classique (les maîtres flamands) et coups de génie modernes, j’ai produit une œuvre (peintures et dessins essentiellement) éclectique et fascinante, dont le Musée d’Orsay, à Paris, propose une rétrospective jusqu’au 4 février 2010.

Fortement influencé par l’école flamande, je produis à l’âge de vingt ans des tableaux dans la veine réaliste, mais témoignant déjà d’une recherche originale et poussée sur les volumes (Le Lampiste, une œuvre qu’on dirait pré-cubiste, datant de 1880) et la lumière (Après l’orage (1880) ou La Grande vue d’Ostende (1884) préfigurent tous deux les impressionnistes).

Tout athée que je sois, je traverse ensuite une crise mystique, ou plus exactement christique, qui me fait me frotter aux sujets bibliques, et m’amène à me comparer à la figure du Christ (de L’Entrée du Christ à Jérusalem, 1885, à L’Entrée du Christ à Bruxelles, 1889, que je peins cette fois-ci sous mes propres traits). Je vois en effet dans les outrages et le supplice que la foule lui inflige un reflet de mes propres souffrances face à l’incompréhension du public et de la critique. Artiste narcissique et égotiste par nature, je peins ou dessine pas moins de 112 autoportraits, et brocarde violemment le milieu bourgeois, la critique artistique et les pouvoirs politiques de mon époque.

Pas homme à me laisser abattre pour autant, je pratique l’autodérision avec férocité souvent, jubilation aussi. Je fais mien le sobriquet “hareng saur” (=art Ensor) que m’attribue la critique (le sublime Squelettes se disputant un hareng saur, 1891). Je dénonce le grotesque et la bassesse de mes contemporains à travers les figures des masques de carnaval de mon pays flamand et de squelettes tout droit issus des vanités du Moyen-Âge (memento mori...). Ces masques à la fois féroces et joyeux, sinistres et éclatants de couleurs, prennent une telle place dans mon œuvre, à partir de 1883, que je finirai par être connu comme le “peintre des masques” – épithète à la fois très parlante et un peu réductrice, qui m’est attribuée par mon compatriote Emile Verhaeren. Mes œuvres les plus connues, L’Intrigue (1890) et La Mort et les masques (1897), illustrent le mieux cette période de mon travail.

Mes sources d’inspiration sont assez bien connues et documentées, et bien mises en lumière dans le parcours que propose l’exposition du Musée d’Orsay : peintres fantastiques du Moyen-Âge (Jérôme Bosch dans mon tableau Les terribles tribulations de Saint Antoine, 1887), maîtres flamands (Rembrandt, Rubens auquel je rends un hommage parodique dans mes autoportraits tels que Autoportait au chapeau fleuri, 1883-1885 ou Ensor aux masques, 1889) ou espagnols (Goya), inspirations japonisantes (masques du théâtre Nô, dont je possède une étonnante collection, et que je mets en scène dans des tableaux sibyllins comme le fascinant Étonnement du Masque Wouse, 1889), et, encore plus près de moi, le mouvement Symboliste.

Si l’exposition remonte bien aux sources de mon inspiration, elle ne dit rien en revanche d’une éventuelle filiation. Par mon art et mon attitude parfois sans concessions, je ferais pourtant un bon père putatif de quelques-unes des figures du dessin et de la peinture underground de la deuxième moitié du XXème siècle, voire du début du XXIème siècle. Et pourquoi pas, après tout ? N’ai-je pas, sûr de mon art et de ma valeur, annoncé que “mes recherches (…) précèdent celles des Impressionnistes”, et clamé ensuite mon influence sur les mouvements picturaux majeurs du début du XXème siècle (cubisme, expressionnisme…) ?

J’aime imaginer l’impression que ma série dessinée Les Auréoles du Christ ou les Sensibilités de la lumière (et en particulier La Crue. Le Christ montré au peuple, 1885), avec son gigantisme, ses couches crayonnées au rendu presque organique, a pu produire sur le père d’Alien, H.R. Giger. Mon autoportrait déguisé L’Homme de douleur (1891), qui mêle le visage d’un Christ aux couronnes d’épines aux traits grotesques d’un masque Nô, avec ses rides creusées, ses sillons de sang, ses yeux exorbités, a probablement croisé un jour le regard du pape de la B.D. underground Robert Crumb. Et que dire enfin des dessins du punk, goth-rocker et Outsider Artist (une forme britannique de l’Art Brut) Nick Blinko, sinon qu’ils sont pour certains d’entre eux un hommage macabre et exalté à mes propres foules et paysages de masques ?

Vous ne connaissiez peut-être pas vraiment mon nom, ni mes œuvres. Je suis un artiste belge, né en 1860 et mort en 1949, à la fois vaguement familier et encore relativement méconnu du grand public…

Mon nom est Ensor. James (art) Ensor.

James Ensor au Musée d’Orsay, du 20 octobre au 4 février 2010. Informations et renseignements pratiques sur le site Internet du Musée d’Orsay.

N’est pas Tony Musulin qui veut. Pour qui n’a pas la chance de s’évaporer au volant d’un camion contenant 11,6 millions d’euros, il reste toujours la possibilité de tenter sa chance aux jeux ou aux paris sportifs. Mais gare aux superstitions…

“En sport, la superstition, c’est la pensée magique : se remettre dans les conditions psychologiques de l’acte positif… Mais pas pour moi ! Ça porte malheur, la superstition ! Aujourd’hui, un chat noir a traversé devant ma voiture. Ben, ça m’a rien fait !” (homme, 25-35 ans, Paris, sept. 2009)

(Brèves de quali, ce sont, sur le modèle des célèbres Brèves de comptoir de Jean-Marie Gourio, des phrases réellement prononcées ou écrites par de “vraies gens”, au détour d’une étude qualitative ou d’un questionnaire, et scrupuleusement notées et retranscrites par l’auteur de ce blog).

Artiste prolifique, Nick Grey multiplie depuis 2002 les aventures musicales décalées et les collaborations les plus prestigieuses avec des pointures de la scène expérimentale (le collectif 48 Cameras, Tony Wakeford de Sol Invictus, Charlemagne Palestine, Martyn Bates de Eyeless In Gaza, etc.). Ses compositions évoluent entre folk délicat, ballades nostalgiques, pièces instrumentales épiques à la Silver Mount Zion et autres envolées lyriques.

Résidant pour partie à Monaco, pour l’autre au Québec, il a accepté de jouer le jeu de l’interview, par email. Loin de tout effet de mode, avec le flegme et le talent qui le caractérise, il revient pour Morningmeeting sur ses collaborations et sa discographie déjà conséquente, la notion de plaisir pur en musique, son apprentissage du jeu de guitare, sa vision de la production, de l’édition et de la diffusion de musique, son travail d’illustrateur sonore et ses projets à venir.

J’ai découvert ton travail avec l’album-OVNI de L’Église du Mouvement Péristaltique Inversé en 2002. Depuis, tu as composé et produit de la musique à travers une multitude de projets solo, de groupes, ou de collaborations : Nick Grey & The Random Orchestra, Empusae, Foxtrot Empire, 230 Divisadero, 48 Cameras… pour ne citer que quelques-uns des plus actuels. Peux-tu donner quelques repères et clés d’entrée sur ces différents projets, afin que le lecteur/auditeur novice puisse s’orienter ?

Absolument. Je me rends compte en t’écoutant que j’ai pu avoir une certaine tendance à me disperser. Aujourd’hui, moins : en langage des couleurs, on pourra dire que j’ai évolué de l’irisé matière au jaune naissant lumière. Pour résumer, The Random Orchestra a été mon projet principal pendant ces dernières années, un terrain de jeux et d’expériences, qui m’a amené à travailler avec des gens incroyables que j’aime profondément, Martyn Bates, Charlemagne Palestine, Kris Force… 48 Cameras est le « collectif virtuel » de Jean Marie Mathoul, un autre laboratoire fascinant… ne pas hésiter à aller inspecter leur site web. 230 Divisadero est le duo avec Matt Shaw, de Tex La Homa. Un premier LP est sorti chez Locust Music fin 2007, une mini tournée a suivi ; le projet devrait se remettre en activité très bientôt.

Mais mon actualité principale, en dehors de mes travaux en solitaire, c’est Foxtrot Empire, un duo folk bancal d’inspiration 70s que je fais vivre avec Louis Pontvianne, un multi-instrumentiste, je dois l’avouer, assez extraordinaire. Et barbu avec ça. Nous avons dernièrement repris le « So What » de Pink, dans la jubilation totale. Je renoue un peu, dernièrement, avec la notion de plaisir pur en musique, je me suis mis à la guitare, au piano, j’essaie de développer ma capacité à sentir la musique de manière physique. C’est une phase importante de réincarnation, j’imagine.

» Ecoutez Death of the Dogman, extrait du prochain album de Foxtrot Empire (une fois sur la page, cliquez sur ► pour lancer la lecture).

«Réincarnation»… le mot me semble assez approprié, en effet. A travers chacun de ces projets, tu navigues entre des univers très différents : rock, folk, opéra, musiques électroniques parfois dark ou expérimentales, mais toujours avec une «patte» particulière. Un peu comme quand on découvre un album des Residents : quoiqu’ils aient mis dedans, on peut être sûr que ce sera du Residents. Qu’est-ce qui fait qu’un disque de Nick Grey sera toujours du Nick Grey? Est-ce cette notion de «plaisir pur» à laquelle tu viens de faire allusion ?

C’est à dire que rien n’est planifié… je n’ai pas de réelle formation musicale, à la base, donc je compose surtout au flair. Et non, ce plaisir-là, je l’avais perdu il y a quelques années, à force d’acquérir des automatismes, de connaître un peu trop par cœur mes propres mécanismes. Je ne l’ai retrouvé que l’année dernière lorsque j’ai acheté ma première guitare. L’objet, impossible à maîtriser dans un premier temps, a instantanément réintroduit une bonne part d’aléatoire dans mon univers. Les premiers mois, c’était cathartique, les doigts saignent mais impossible d’arrêter, tout ce qui t’habite finit par passer dans le bois. Ma patte, je ne sais pas trop ce que ça peut être, sans doute une forme de sincérité totale presque enfantine et qui est toujours là, même dans les moments les plus absurdes.

En termes de distribution, tu as créé tes propres structures (Milk & Moon Recordings…), ou bien bénéficié de la distribution de labels indépendants (Beta-Lactam Ring Records…). Tu es aussi présent sur le Net, où plusieurs de tes morceaux sont à l’écoute sur Myspace ou Virb par exemple. Quelle vision as-tu du business de la musique aujourd’hui ? Le plan de carrière parfait passe-t-il toujours par la signature avec une Major ? Ou crois-tu au potentiel des nouvelles formes d’édition et de distribution musicales ?

Les Majors, je ne sais pas ce que c’est. Connais pas du tout. J’ai toujours vécu ma carrière artistique dans l’instant, à l’intuition totale : une fois ma musique créée, en général, quelqu’un se manifeste à la suite d’un coup de coeur et me fait part de son désir de m’aider à la promouvoir. Dans d’autres cas, je prends cette initiative moi-même, cf. Milk & Moon, et je la dévoile au monde en éditions limitées, assemblées et peintes à la main. Au final, je dois avouer que le disque, pour un musicien totalement indépendant, peut avoir tendance à apparaître comme une forme de carte de visite luxueuse. Lorsqu’on presse un album à 1000 exemplaires, il ne faut pas s’attendre à des retombées phénoménales – en effet, la musique circulera surtout via internet et c’est très bien comme ça.

Cela étant, je suis incapable de faire commerce de mp3. Il faut l’objet, ne serait-ce que pour une question d’espace : un disque occupe une partie de l’espace géographique de celui qui le possède, il est là, tu tournes la tête et aperçois ton coffret The Fall, tu sais qu’il existe, tu peux l’écouter, le donner, le prêter à une amie perfide qui ne te le rendra jamais. Il fait concrètement partie de ta vie et t’affecte donc infiniment davantage que l’intégrale des Stones que tu possèdes en mp3 et que tu écoutes en historien, sans implication réelle. Cela dit c’est peut-être un point de vue de fétichiste, oui : je connais des gens qui se foutent authentiquement du format sur lequel ils écoutent le dernier Psychic Tv. Mais pour ma part, j’ai gardé mes réflexes d’adolescent : ma vie peut changer avec un vinyle (ou une cassette audio TDK, je ne suis pas snob) entre les mains.

Sur ton site web, tu te présentes également comme “Compositeur et illustrateur sonore”. Est-ce ainsi que tu gagnes ta vie ? En quoi consiste ce travail ?

Je me consacre en effet depuis quelques mois à l’habillage d’images, principalement dans le milieu du film et du jeu vidéo indépendant. Il va d’ailleurs falloir que je remodèle mon site web pour y intégrer ces nouveaux éléments. Je ne suis pas du tout quelqu’un de “visuel” à la base, c’est donc un défi assez palpitant pour moi de réimaginer ma musique en fonction d’un support visuel, d’y intégrer une trame narrative ou une ambiance, non plus au service exclusif de la composition, mais dans un cadre de fusion. Je crois que ma musique se prête bien à ça. Et oui, je commence doucement à gagner ma vie ainsi… bien sûr, je débute tout juste dans le domaine, donc il faut cultiver une certaine ouverture d’esprit. A priori, je peux même accepter de travailler sur un film d’entreprise. Tu t’en doutes, ce n’est pas ce que je préfère faire, mais l’exercice serait assez décalé pour me séduire, je pense.

Oui… j’imagine assez bien ce que tu pourrais faire pour la COGIP (la boîte de la série Message à caractère informatif), par exemple. Mais avant d’en arriver à cette collaboration fructueuse (que j’appelle de tous mes vœux), peux-tu me dire quelle sera la prochaine sortie musicale featuring Nick Grey ? Un album de Foxtrot Empire, avec cette reprise de «So What» que tu mentionnes plus haut ?

Tu me donnes une idée, là, je devrais peut-être effectivement me recycler dans la vidéo corporate 70s. Les prochaines sorties, dans le désordre, seront un album solo (avec ou sans le Random Orchestra, je ne sais pas encore), l’album de Foxtrot Empire, et sans doute celui de 48 Cameras lorsque Jean Marie l’aura finalisé. Rien de tout ceci n’est prêt pour l’instant, je suis, comme je te l’ai dit, en phase de réapprentissage total, donc ça prendra sans doute encore quelques mois. Mais je continuerai à distiller informations et nouveaux morceaux via myspace et virb.

Pour terminer, est-il envisageable de voir bientôt Nick Grey sur scène (en France ou ailleurs, vu tes fréquents déplacements à l’international), avec l’une ou l’autre des formations évoquées plus haut ? Ou donnes-tu la priorité à ton travail en studio ?

Je sais que je dis ça tous les ans mais oui, l’aspect live est une priorité absolue. C’est fabuleux mais un peu difficile pour moi. J’ai tendance à vivre toutes ces expériences de manière très intense et j’en sors littéralement changé à chaque fois. Je vais faire en sorte de rendre le prochain Nick Grey possible à reproduire en live. J’adorerais me produire seul sur scène avec quelques instruments et quelques bouquins. Soyons aventureux, disons 2010 ! De toute façon, il paraît que tout s’arrête fin 2012, donc il est peut-être temps que je m’y mette.

Pour en savoir plus :

Nick Grey : www.nick-grey.com et www.myspace.com/nickgrey
Foxtrot Empire : www.myspace.com/foxtrotempire
48 Cameras : www.48cameras.com

School of Saatchi, c’est le nouveau nom du programme TV, sponsorisé par la BBC, Saatchi’s Best of British (lire, au sujet de la mini-polémique qu’il a déclenché, ce billet datant d’avril dernier).

Bien que rebaptisé, le projet reste le même dans son principe : les candidats soumettent, via un site web dédié, leurs œuvres à un jury qui invite les six plus talentueux d’entre eux à suivre un trimestre de formation dans une école d’art spécialement créée pour l’occasion. Les six lauréats montent ensemble leur première exposition collective. A l’issue de cette première exposition, Charles Saatchi choisit lui-même un grand gagnant, qui aura le privilège d’exposer au Musée de l’Hermitage à Saint-Pétersbourg, dans le cadre de l’exposition Newspeak: British Art Now.

Les différentes étapes de cette compétition ont été filmées et montées par la société de production Shine International pour la BBC, et seront diffusées fin novembre sur BBC2, sous la forme d’une série de quatre épisodes de 60 minutes.

En attendant la diffusion, et pour en savoir plus, vous pouvez lire le communiqué de la BBC et celui de la Saatchi Gallery, et bien sûr revenir sur le fond de l’affaire en (re)lisant ce billet.

Hier soir, vernissage de l’expo Dysfashional : Exposition et performances à la frontière de la mode et de l’art contemporain, Passage du Désir à Paris. Bon, comme avec tout vernissage, le spectacle est dans la salle plutôt que dans les œuvres, difficilement accessibles en raison de la foule qui encombre les allées, un verre d’un cocktail sponsorisé par une grande marque de vodka à la main… Un phénomène accentué par le lieu de l’exposition elle-même : Passage du Désir est une structure hébergée par l’agence de publicité BETC Euro RSCG Paris.

Dysfashional est une expo itinérante (Luxembourg, Lausanne, Paris donc, et Berlin l’été prochain) conçue par Luca Marchetti et Emanuele Quinz, commissaires de l’exposition. Elle met en scène de grands noms de la mode (Hussein Chalayan, Raf Simons, Martin Margiela…) invités à faire œuvre “d’artiste” (et non pas exposer des pièces de leurs collections).

Le résultat est d’un intérêt variable : performances live de jeunes mannequins prenant des poses interminables devant le public, photos de sexes placardées sur les murs, variations autour de matériaux, d’accessoires et d’objets de mode (perruques postiches, cape en soie, magazines fashion), etc., cohabitent, entre deux cohues d’épaules, avec quelques pièces remarquables :

Raf Simons, Repeat (1995-2005) : comme son nom l’indique, cette installation vidéo (une vingtaine de petits téléviseurs posés au sol et alignés en ordre chronologique, diffusant des images fixes ou des vidéos en boucle) retrace dix ans d’inspiration et de défilés du créateur flamand. Les téléviseurs forment un portrait d’ensemble obsessionnel et cohérent de son univers.
L’esthétique cold-wave ou cyberpunk froide des défilés (trenchs, bottes, mannequins aux coupes courtes et cheveux teints en noir, mises en scène rétro-futuristes, etc.) côtoie des images statiques, comme autant d’instantanés  qui soulignent les sources d’inspiration du créateur. On peut s’amuser à passer d’un téléviseur à l’autre, à la manière d’un rébus, d’une charade ou de la comptine “Trois p’tits chats”, dont le “tout” serait l’univers personnel de Raf Simons.
Ainsi, on passe d’un zoom sur un bras tatoué des lettres grecques ΚΕΦΑΛΗΞΘ (Psalm 69 ou Psaume 69) et de toiles d’araignées, très probablement en hommage à l’album éponyme de Ministry, groupe fer de lance du métal industriel glauque et agressif, à une photo du CD single du “Ziggy Stardust” de Bowie repris par les légendes du rock gothique Bauhaus, à la photo d’une pile de cassettes VHS de films d’épouvante légendaires, parmi lesquels figure The Hunger, film de vampire avec David Bowie et Catherine Deneuve, et contenant une scène où les deux protagonistes se rendent dans un club batcave où Bauhaus se produit en live, etc.

Trois p’tits chats,
Trois p’tits chats,
Trois p’tits chats, chats, chats,
Chapeau de paille,
Chapeau de paille,
Chapeau de paille, paille, paille.
Paillasson, paillasson…

Antonio Marras propose Le Orfanelle (2006) (Les orphelines), une installation faite de cônes de tissus, éclairés par en-dessous, évoquant tour à tour des robes, des tentes, des silhouettes fantomatiques…
Les structures ainsi créées, à base de tissu, de roues de bicyclettes et de câbles, flottent au-dessus du sol. Il y a quelque chose de nostalgique dans cette composition, quelque chose qui rappelle l’enfance, et qui semble parler aux petites filles…

Hussein Chalayan expose des pièces issues d’une collection de vêtements en papier. Airmail Dresses (2001) est une robe immaculée, présentée dans cinq cadres correspondant à cinq étapes de pliage, qui permettent de passer de l’état de robe à celui d’enveloppe prête à poster. Le commentaire de l’œuvre précise que “l’expéditeur peut donc imprégner cette robe immaculée d’une double empreinte : celle de son écriture et celle de son corps”.
Ça me rappelle une toute autre référence rock (complètement fortuite, cette fois-ci), du côté des Pixies. Sur le morceau “Cactus” (album Surfer Rosa), le chanteur déplore l’absence de sa chérie, et se met à souhaiter qu’elle lui envoie quelque chose qui est à elle, un vêtement qu’elle a réellement porté : “Bloody your hands on a cactus tree / Wipe it on your dress and send it to me” (“Fais saigner tes mains sur un cactus / Essuie-les sur ta robe, et envoie-la moi”).

Dysfashional Paris/Berlin, au Passage du Désir, 85-87 rue du Faubourg Saint Martin, Paris – Du 30 octobre au 9 novembre 2009.

Présentation, horaires et informations pratiques sur le site du Passage du Désir et consultation du dossier de presse de l’exposition.

Aujourd’hui, notre Suédois poursuit dans la veine de l’hommage rendu à George Best, publié il y a quelques jours :

“Il y a un tabou socialement : c’est accepté de boire trois bouteilles de vin dans la semaine, mais pas de parier, c’est pas toujours très bien vu ! Au moins, avec le Net, on peut parier de chez soi dans l’anonymat, et ça fait pas de trous au cerveau !” (homme, 35-45 ans, Stockholm, sept. 2009)

Le Net, c’est pas comme le mojito, ça fait pas de trous dans ta tête…

(Brèves de quali, ce sont, sur le modèle des célèbres Brèves de comptoir de Jean-Marie Gourio, des phrases réellement prononcées ou écrites par de “vraies gens”, au détour d’une étude qualitative ou d’un questionnaire, et scrupuleusement notées et retranscrites par l’auteur de ce blog).